Merci Georges

La galerie allemande Mikro (Düsseldorf) est une niche incroyable pour qui s'intéresse à la photographie contemporaine. Tous les genres s'y rencontrent même si une préférence semble être apportée au choix des artistes exposants dans la galerie. Deux articles du Goethe Institute peuvent vous aiguiller, l'un parle de la Renaissance des sujets classiques tandis que l'autre pose la question de l'Original dans la photographie. Faites votre choix!

«Le projet Save Manhattan 03 est une réflexion sur les attentats du 11 septembre 2001. Il se compose de trois éléments distincts, Save Manhattan 01, Save Manhattan 02 et la version finale de Save Manhattan 03, présentée pour la première fois lors de la biennale de Venise 2007. Save Manhattan 01 (2003-04), était construite avec de nombreux livres écrits suite aux événements du 11 septembre, à l'exception de deux exemplaires du Coran. Les livres étaient disposés sur une table de façon à ce que leur ombre projetée sur le mur dessine la ligne d'horizon de Manhattan telle qu'elle était avant le 11 septembre. Les deux exemplaires du Coran recréent ainsi l'image spectrale des tours jumelles» (en lire plus...)

Payam Sharifi en plus d'avoir dirigé un module appelé l'Idiot Global (The Globalized Idiot) au département d'Architecture du Royal College of Art, est aussi un formidable auteur dont le travail ironico-subtil au sein du groupe Slavs and Tartars est une invitation à décentrer un peu plus l'Europe et pousser les investigations vers ses frontières extrêmes.

Du 16 Décembre 2009 au 1er Mars 2010!



Singapour, Malaisie : le cinéma ! - Bande-annonce
envoyé par centrepompidou. - Regardez plus de courts métrages.

Pourquoi voir Tetro? Peut-être parce que Coppola avoue avec malice qu'il est le réalisateur se documentant le mieux de toute l'histoire («I'm the most documented movie director in history»). Et que forcément un film plein d'influences avec Vincent Gallo c'est un peu l'objet indispensable quand on veut commencer à découvrir la filmographie de l'homme à la chemise mauve sur l'escalier...

La revue d'art contemporain Livraison se penche pour ce treizième opus sur les rapports entre. Entre langage et typo. Entre mots et signes. Avec des textes de Roxanne Jubert, Peter Bil'ak ou encore Jean-Baptiste Levée, c'est une mine hallucinante que je vous recommande vivement. Vous pouvez accéder à plus d'images sur le site de pixelcreation. Mais vraiment. Lisez Livraison!

En octobre-novembre dernier, la galerie Marian Goodman Paris présentait le travail récent de John Baldessari; elle est à mettre en écho avec la grande rétrospective qui a eut lieu à la Tate Modern et qui sera bientôt visible au Macba de Barcelone.
En 2011 un Catalogue Raisonné de plusieurs volumes cartographiera le travail de Baldessari. Le premier volume qui couvre la période prolifique de 195 à 1978 sortira au printemps 2011.

Pour revenir à l'exposition Hand and/or Feet (Part One) de Paris, le texte de présentation est assez explicite: «l'artiste poursuit son exploration de l'identité humaine à travers la fragmentation du corps en différentes parties. Dans la majorité des œuvres, où deux photographies trouvées (noir et blanc) sont assemblées avec des parties colorées, cette dimension fragmentaire est encore accentuée dans la composition par une séparation verticale ou horizontale. John Baldessari fait ainsi cohabiter les extrémités du corps humain avec des animaux et/ou des objets. Les animaux, lorsqu'ils figurent dans une des œuvres, sont représentés en relation avec ou dans un environnement humain.
Comme dans les séries précédentes Raised Eyebrows/ Furrowed Forehead; Noses & Ears, Etc, ou Arms and Legs (Specif. Elbows and Knees), Etc, ces œuvres peuvent être perçues comme le résultat d'une réflexion que poursuit John Baldessari sur la totalité - quoi exclure, quoi conserver - qui demeure une préoccupation centrale dans son travail. A côté de cette idée, il continue de s'intéresser au motif en relief et à l'aspect tridimensionnel; au segment comme syntaxe visuelle; à l'hybridation inhabituelle; au point de rencontre entre la photographie, la peinture et la sculpture.
Hands And/Or Feet (Part One), ne met pas seulement en exergue ce dialogue vivant dans lequel peinture et photographie sont depuis longtemps engagées conjointement, mais aussi cette tradition de fragmentation de motifs isolés ou de parties d'une toile ou d'une image pour défier la logique narrative et l'interprétation standard. Association et dissociation ont été une des principales lignes directrices de son travail : «Ce qui m'intrigue en cela (et c'est une méthode adoptée dans la majeure partie de mon travail) est d'établir un ensemble de conditions qui font que les choses surviennent difficilement, mais sans pour autant les rendre impossibles.» » (-texte © galerie MG)

Cette manière de fabriquer les images est assez proche du cinéma. On sait que le montage, que le sectionnement, la rupture, le collage sont des moyens propres à la narration cinématographique (qu'elle soit littérale ou expérimentale, une image vient toujours après une autre). C'est donc «l'entre» qui pourrait intéresser Baldessari. Cet espèce d'infra-mince sublimé par Duchamp qui pourrait signifier un hors-champ interprétatif pour le spectateur. Car encore plus que son intérêt pour le lien entre photographie, peinture et sculpture, ce qui marque chez John Baldessari c'est ce questionnement permanent de l'entre-deux. Ses images ne sont pas totalement des photographies ni complètement des peintures. Ses textes ont l'apparence du langage mais ne font que l'évoquer au travers du geste d'un peintre de signes. Et ses identités effacées prouvent que les blind spots peuvent devenir vecteurs de refabrication.

Véritable pape de la citation et «disgresseur» devant l'éternel, John Baldessari n'est pas si différent que son contemporain suisse Jean-Luc Godard. Tous deux re-fabriquent une réalité qui aurait pu épuiser la peinture et se laisser séduire par les nouvelles techniques de reproduction. C'est pourtant au travers de ces appareils de reproduction que Godard et Baldessari font la preuve de leur véritable classicisme révolutionnaire face aux images. Des images entre qui ne racontent pas forcément ce qu'elles montrent mais qui restent des images qui se montent et provoquent ce qu'Einsenstein appelait des «crash», ce moment où le montage crée un accident et où le langage visuel devient forcément autre.




Ainsi la fameuse phrase de démarrage d'Alphaville (1965): «Il arrive que la réalité soit trop complexe pour la transmission orale. La légende la retransmet sous une forme qui permet de courir le monde». Godard, comme Baldessari, utilise les outils de la modernité pour montrer à voir et pour parfois cristalliser cette légende. À moins, comme l'écrit Alexandre Fontaine Rousseau, que cette légende ce ne soit l'outil lui-même. Un outil dont la forme informe. Une forme en quelquesorte hybride et symbiotique. Les oeuvres de Baldessari, les films de Godard sont des objets entre comme les images qu'ils présentent.

Dans leur utilisation d'images trouvées et de citations, les approches de Godard et Baldessari peuvent aussi faire penser aux recherches visuelles de Bruce Conner (merci B!). Là aussi les juxtapositions les plus curieuses se mettent en place dans des séries de collage que n'auraient pas renier les avant-gardes. Des relations se tissent alors comme une sorte de constellation ad infinitum. Conner n'hésite pas non plus à citer, comme si cette pratique était celle d'un vingtième siècle en perpétuel démonstration; un vingtième siècle qui s'auto-pastiche dans une démarche postmoderne typique mais qui n'oublie pas de dévorer ses propres entrailles et de les regurgiter comme autant d'images d'images et de textes de textes.





Conner ,bien qu'ayant participé à l'exposition Beat Culture and the New America: 1950-1965 au Walker Art Center, reste facilement inclassable et c'est uniquement par association que son travail est ici évoqué à la lumière de celui de Baldessari et plus obliquement celui de Godard (à moins peut-être de ne se concentrer que sur les Histoire(s)).
Né au Kansas, Conner sera ultérieurement associé à la renaissance de la poésie et des arts visuels qui frappe San Francisco dans les années 50. Mais c'est surtout au mouvement contre-culturel qu'il s'attache au début des années 60. Véritable sismographe de l'esprit américain, son travail polytechnique, influencé par les émigrés des années 40 se situe là-aussi entre. Entre une dénonciation pacifiste et une exploration expérimentale. Entre le collage et la peinture. Le dessin et le film.





L'oeuvre la plus curieuse de Bruce Conner reste son film subtilement intitulé A Movie (1958). Montage d'archives (rappelez-vous aussi Imitation of Life d'Hoolboom), bricolage énergique, tout évoque ce que deviendra le format vidéo-clip et les années de gloire de MTV. A Movie est aussi, selon les dires de son réalisateur, un travail de voleur, un acte «pseudo-criminel» si peu éloigné de la peinture qu'il s'approprie lui-aussi les objets: «vous volez les expériences passées que tout le monde a eut... vous construisez au-dessus de cette gigantesque pyramide qui a des millions de corps morts à sa base». Le SFMOMA, qui a longtemps tenu Conner en non-odeur de sainteté, décrit A Movie comme un «jeune vieux film». En 1959 il faisait pourtant son âge mais semblait alors plaider pour une archéologie du progrès et une élégie de la modernité à la sauce américaine. La dernière image, celle d'un plongeur fusant dans la carcasse immergée d'un vieux navire, peut enfin évoquer cette quête actuelle pour la modernité comme une ruine...

Du 5 Février au 30 Mai 2010, la Villa Arson présente Double Bind, une exposition sur les dysfonctionnements du langage. Commissaires de l'expo: Dean Inkster, Eric Mangion et Sébastien Pluot.

«Malentendu, altération, incompréhension, aporie, confusion ou contresens, sont autant de dysfonctionnements ou d'anomalies - discrets ou manifestes - qui modifient en permanence le cours et la teneur de nos échanges. Pourtant, depuis le mythe babylonien d'une langue unique et universelle, jusqu'aux théories des correspondances, et plus récemment l'idéologie positiviste d'une traduction sans perte aidée par l'informatique, la quête d'une communication transparente traverse chaque époque.
Quatre ans après l'exposition Transmission1, le Centre national d'art contemporain de la Villa Arson revient sur le rapport entre art et communication avec une exposition intitulée Double Bind / Arrêtez d'Essayer de Me Comprendre. Il s'agit cette fois d'interroger la complexité des langages qui fait de la communication une entreprise singulière toujours renouvelée par les interprétations et les traductions.
L'expression double bind se réfère ici à la double contrainte que toute traduction, selon le philosophe Jacques Derrida, impose comme impératif: la nécessité et l'impossibilité sont contenues dans tout énoncé linguistique, de la transposition d'une langue à une autre. Si un énoncé fait nécessairement appel à la reconnaissance, la compréhension, et l'interprétation (sa traductibilité), il demande également que l'on respecte ce qui en lui échappe à la traduction, la part intraduisible qu'il recèle et qui constitue son caractère propre ou unique, son idiome. L'injonction Arrêtez d'essayer de me comprendre! se réfère au psychanalyste Jacques Lacan et à la réponse qu'il aurait faite à l'un de ses auditeurs trop soucieux de vouloir saisir le sens de chacun de ses propos. Il s'agit, en l'occurrence, d'un exemple classique du double bind tel que l'a théorisé l'anthropologue Gregory Bateson dans les années 1950: le destinataire d'une telle injonction ne pouvant y répondre sans y déroger, est placé dans une situation de dilemme et d'incertitude.
Les oeuvres présentées dans l'exposition révèlent diverses stratégies de transposition qui prennent en compte les effets d'altération et de distorsion qui surviennent dans la construction et le partage du sens: que ce soit dans le discours, dans le passage d'une langue à une autre, d'un médium ou d'un outil technologique à un autre, ou bien encore, à travers diverses formes de codifications. L'exposition témoigne ainsi d'une conception de l'art opposée à l'idéale d'immédiateté et de transparence de la pensée, chaque oeuvre affirmant à sa manière la discordance entre signe et référent, signification et sens, comme un élément inhérent au langage. La traduction est donc ici à comprendre au sens large, comme ce qui désigne non pas un simple outil de transmission inter-linguistique, mais un processus formel, voire un moyen créatif, dans la conception et l'interprétation de l'œuvre.»
-(texte sur le site de la Villa Arson)